LO QUE EL DÍA DEBE A LA NOCHE de Alexandre Arcady ALLÒ QUE EL DIA HI DEU A LA NIT d'Alexandre Arcady

Poco ha tratado el cine la problemática argelina cuando aun era una colonia francesa, y lo que le llevó a la guerra de independencia (1954-1962) hasta convertirse en país independiente. Ello provocó una fractura entre dos Argelias, digamos: la que era francesa y tuvo que irse a la metrópoli a vivir y la argelina de siempre, que aprendió a vivir por sí misma. Basada en unaa novela de Yasmina Kadra que fue un éxito de ventas, el argumento utiliza una historia que podría parecer melodramática, casi de culebrón, con amores no correspondidos y tragedias ocurridas por las circunstancias. Todo empieza en 1945, cuando una pobre familia de matrimonio con dos hijos pequeños de la Argelia profunda tiene que emigrar a una ciudad, trabajando el padre en trabajos indignos para sobrevivir. El niño tendrá que ser acogido por su tío (Mohamed Fellag, “Monsieur Lazhar”). Allí se convertirá en un niño “occidentalizado”, como iban los argelinos franceses. En unas clases de piano, conocerá a una niña francesa que se convertirá en alguien importante para él en su vida, Émilie (Nora Arnezeder). Los años pasarán, ambos se harán adultos y se enamorarán, pero empezarán los acontecimientos sociales que cambiaron Argelia para siempre, muchos de ellos trágicos. Younés (o Jonás) ( tendrá un grupo de amigos, y dudará entre seguir la amistad o alinearse con la Argelia independiente con la que soñaba su tío, muerto un día antes del estallido de la guerra de la independencia. La historia incluye saltos en el tiempo a 1970 y el final a la época actual, donde se cierra la misma, con Younés ya anciano. El ritmo ameno hace que se siga con atención, el director Alexander Arcady utiliza la novela por que él mismo nació en Argelia y se fue a Francia con su familia en 1962. Por ello comprende tan bien a cada personaje y su implicación a favor o en contra. Sabe ir al filo de lo melodramático sin resultar empalagoso ni cursi, ni caer en el folletín tipo Corín Tellado. El reparto cumple bien su cometido, sin brillar mucho, sobre todo el protagonista, el modelo Fu'ad Aït Aattou como Younés, cuya interpretación es impasible todo el tiempo, así es su personaje, aunque lo habría mejorado. La ambientación de las diferentes épocas es creíble en todo momento, con toda clase de detalles. Otros actores, mucho más conocidos, eran Anne Parillaud (“Betty Blue”) como la madre de Émilie y Vincent Pérez (“Indochina”) como un pariente de ella. Y como muchas veces, lamentamos que el público no supo apreciar la honestidad del filme e incluso recibió críticas adversas, por lo que duró pocos días en la cartelera, pero aquí la reivindico y que la gente la vea sin prejuicios.

LO QUE EL DÍA DEBE A LA NOCHE: * * *

"ALLÒ QUE EL DIA DEU A LA NIT " d'Alexander Arcady

Poc ha tractat el cinema la problemàtica algeriana quan encara era una colònia francesa, i allò que va portar a la guerra d'independència (1954-1962) fins a esdevenir un país independent. Això va provocar una fractura entre dues Algèries, diguem-ne: la que era francesa i va haver d'anar-se cap a la metròpoli a viure i l'algeriana de sempre, que va aprendre a viure per si mateixa. Basada en una novel.la de Yasmina Kadra que va ser un èxit de vendes, l'argument de la qual té una història que podria semblar melodramàtica, gairebé de serial llatinoamericà, amb amors no correspostos i tragèdies que van passar per les circumstàncies. Tot comença el 1945, quan una pobra família de matrimoni amb dos fills petits de l'Algèria profunda ha d'emigrar cap a una ciutat, treballant el pare en feines indignes per sobreviure. El nen haurà de ser acollit pel seu oncle ( Mohamed Fellag , "Monsieur Lazhar "). Allà es convertirà en un nen "occidentalitzat", com anaven els algerians francesos. Enmig d’unes classes de piano, hi coneixerà una nena francesa que es convertirà en algú important per a ell en la seva vida, l’Émilie (Nora Arnezeder). Els anys passaran, tots dos es faran adults i s'enamoraran, però començaran els esdeveniments socials que van canviar Algèria per sempre, molts d'ells tràgics. Younés (o Jonás) tindrà una colla d'amics, i dubtarà entre seguir amb l'amistat o alinear-se amb l'Algèria independent amb la qual somiava el seu oncle, mort un dia abans de l'esclat de la guerra de la independència. La història inclou salts en el temps al 1970 i al final a l'època actual, on es tanca la mateixa, amb Younés ja vell. El ritme amè fa que es pugui seguir amb atenció, el director Alexander Arcady utilitza la novel.la perquè ell mateix va néixer a Algèria i va anar cap a França amb la seva família el 1962. Per això, comprèn perfectament a cada personatge i la seva implicació a favor o en contra. Sap anar al caire d’allò melodramàtic sense resultar embafador ni cursi, ni caure en el fulletó tipus Corín Tellado. El repartiment compleix bé la seva comesa, sense destacar gaire, sobretot el protagonista , el model Fu'ad Aït Aattou com en Younés, la interpretació del qual és impassible tot el temps, així és el seu personatge, tot i que ho hauria millorat. L'ambientació de les diferents èpoques és creïble en tot moment, amb tota mena de detalls. D’altres actors, molt més coneguts, eren Anne Parillaud (“Betty Blue”) com la mare d’Émilie i Vincent Pérez (“Indo-Xina”) com un parent d’ella. I com molt sovint, lamentem que el públic no va saber apreciar l'honestedat del film i fins i tot va rebre crítiques adverses, per la qual cosa va durar pocs dies a la cartellera, però aquí la reivindico i que la gent la vegi sense prejudicis.

ALLÒ QUE EL DIA DEU A LA NIT : * * *

http://www.imdb.com/title/tt1934205/?ref_=fn_al_tt_1

http://www.youtube.com/watch?v=gXrEjKvoZBI

http://www.youtube.com/watch?v=XN5E00qJltk

EL PROCESO de Orson Welles EL PROCESAMENT d'Orson Welles

Ya exiliado artísticamente en Europa, nos referimos por que era en donde podía filmar sus películas con libertad artística, Orson Welles adapta libremente la novela de Franz Kafka más famosa, toda una obra maestra del surrealismo, digamos surrealismo al inexplicable proceso judicial a que se sometía a su desconcertado protagonista, Joseph K., lo que le llevaba a un trágico e implacable final. Aquí, Welles actualiza la trama (toque contemporáneo, es decir, de 1962, año del rodaje del filme), y es Anthony Perkins quien vive su inexplicable proceso. Welles utiliza sus habituales tomas desde un ángulo bajo y va acentuando el clima de pesadilla. Él mismo se reserva un papel secundario, el del abogado que tendrá que defender a Joseph K. Por supuesto, no parece que le vaya a servir de mucho... Orson Welles rodó la película en Francia, ya exiliado de Hollywood como autor, y sabe crear un clima que incomoda al espectador desde el primer fotograma, cuando mediante ilustraciones de tono medieval cuenta una historia con final tétrico, que muestra muy bien lo que se contará después. Con un reparto muy variado, incluyendo además de Perkins y Welles a Jeanne Moreau o Romy Schneider, la película es de las mejores de su director. No hay que describirla, hay que verla. Y más si quien la vea ha leído la novela, obra maestra de la Literatura y que como casi toda la obra de Franz Kafka tuvo éxito póstumamente. Muchos genios del Arte acaban triunfando cuando ya no están.

EL PROCESO: * * * *

"EL PROCESAMENT" d'Orson Welles

Ja exiliat artísticament a Europa (ens referim perquè era on hi podia filmar les seves pel.lícules amb llibertat artística), Orson Welles adapta lliurement la novel.la de Franz Kafka més coneguda, tota una obra mestra del Surrealisme, diguem-ne Surrealisme a l’inexplicable procesament judicial al qual es sotmetia al seu desconcertat protagonista, Joseph K., allò que li portava a un tràgic i implacable final. Aquí, Welles actualitza la trama (toc contemporani, és a dir, del 1962, any del rodatge del film), i és Anthony Perkins qui viu el seu inexplicable procesament. Welles utilitza les seves habituals preses des d'un angle baix i va accentuant el clima de malson. Ell mateix es reserva un paper secundari, el de l'advocat que haurà de defensar Joseph K. Per descomptat, no sembla que li vagi a servir gaire... Orson Welles va rodar la pel.lícula a França, ja exiliat de Hollywood com a autor, i sap crear un clima que incomoda l'espectador des del primer fotograma, quan mitjançant il.lustracions de to medieval explica una història amb un final tètric, que mostra molt bé allò que s’explicarà tot just després. Amb un repartiment molt variat, incloent a més de Perkins i Welles a Jeanne Moreau o Romy Schneider, la pel.lícula és de les millors del seu director. No cal descriure-la, cal veure-la. I més si qui la vegi ha llegit la novel.la, obra mestra de la Literatura i que com gairebé tota l'obra de Franz Kafka va tenir èxit pòstumament. Molts genis de l'Art acaben triomfant quan ja no hi són entre nosaltres.

EL PROCESAMENT : * * * *

http://www.imdb.com/title/tt0057427/?ref_=nv_sr_2

http://www.youtube.com/watch?v=50n0S6_3Tc0

http://www.youtube.com/watch?v=82mnnLeM7Eo

http://www.youtube.com/watch?v=TUDLy3ablus

http://www.youtube.com/watch?v=R_7weUR0oMY

THE MASTER de Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson se consagró hace unos años con una curiosa película donde se basaba en algunas estrellas del cine porno americano de la década de 1980, “Boogie Nights”, que dio a Burt Reynolds un papel diferente a los de cuando hacía de galán o de “duro”. Luego, dio otro papelón a Daniel Day Lewis en “Pozos de ambición”, como un implacable hombre que se hace multimillonario gracias al petróleo y se olvida de amar al prójimo. Aquí es Joaquín Phoenix (“Two lovers”), salido de su retiro temporal del cine, como Freddie Quell, un trastornado por estrés post-traumático que después de combatir en la II Guerra Mundial es captado por una especie de secta que es una mezcla entre religión, vida sana y varias cosas más, liderada por Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman). Quell intenta ayudar a la secta, pero sus limitaciones mentales le impiden guardar calma cuando algo le sale mal y se mete en peleas. Antes de irse a la guerra, tenía novia en su pueblo, Doris (Madisen Beatty), pero la contienda y su compromiso con la secta les distanció para siempre. Esta vez no está tan lograda la trama como en anteriores películas del director, pues no aclara si va a favor de la secta o en contra, quiere ser objetivo, pero cuesta conectar con los personajes, incluido el protagonista, demasiado primario en sus reacciones. Lo mejor, Philip Seymour Hoffman, siempre valor seguro, ya que Joaquín Phoenix exagera las muecas y reacciones de su personaje, con un tono demasiado teatral.

THE MASTER: * * *

"THE MASTER" de Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson es va consagrar fa uns anys amb una curiosa pel.lícula on es basava en algunes estrelles del cinema porno americà de la dècada de 1980, "Boogie Nights", que va donar a Burt Reynolds un paper diferent als de quan feia de galant o de "dur ". Després, va donar un altre paperot a Daniel Day Lewis a "Pous d' ambició", com un implacable home que es fa multimilionari gràcies al petroli i s'oblida d'estimar als que l’estimaven. Aquí és Joaquín Phoenix ("Two lovers "), sortit del seu retir temporal del cinema , com Freddie Quell, un trastornat per un estrès post-traumàtic que després de combatre a la II Guerra Mundial és captat per una mena de secta que és una barreja entre religió, vida sana i diverses coses més, liderada per Lancaster Dodd ( Philip Seymour Hoffman ). Quell intenta ajudar a la secta, però les seves limitacions mentals li impedeixen tenir calma quan alguna cosa li surt malament i es fica en baralles. Abans d'anar-se'n a la guerra, tenia núvia al seu poble, la Doris (Madisen Beatty), però la guerra i el seu compromís amb la secta els va distanciar per sempre més. Aquest cop no està tan assolida la trama com en anteriors pel.lícules del director, doncs no aclareix si va a favor de la secta o en contra, vol ser objectiu, però costa connectar amb els personatges, fins i tot amb el protagonista, massa primari en les seves reaccions. El millor, Philip Seymour Hoffman, sempre valor segur, ja que Joaquín Phoenix exagera les ganyotes i reaccions del seu personatge, amb un to massa teatral.

THE MASTER : * * *

http://www.imdb.com/title/tt1560747/?ref_=sr_1

http://www.youtube.com/watch?v=w6Eax8Xc_Ck

http://www.youtube.com/watch?v=4Ox2-0A1OIQ

SOMBRAS Y NIEBLA de Woody Allen OMBRES I BOIRA de Woody Allen

Woody Allen cerró la década de 1980 con una irregular película, donde intentaba volver a sus orígenes, a la comedia disparatada, alejándose un tanto de sus obras maestras influenciadas por su admirado Ingmar Bergman. Aquí rueda en blanco y negro queriendo homenajear al Expresionismo alemán de hace casi un siglo. Un asesino en serie aterroriza a una indeterminada ciudad europea. Grupos de ciudadanos se unen para patrullar las calles y capturarlo. El apocado y mediocre ciudadano Kleinman (Woody Allen) es obligado a participar en ellos pese a sus negativas. Por otro lado, en un circo que actúa en la ciudad, Irmy (Mia Farrow) sorprende a su marido, payaso del circo (John Malkovich), con otra mujer, así que se escapa del circo y casualmente acaba en un prostíbulo, donde se encuentra con el romántico estudiante Jack (John Cusack, “El balneario de Battle Creek”)... El enredo está servido, como dice el tópico. Lo mejor de la película es su fotografía, de Carlo Di Palma, colaborador de Allen durante la década de 1980, que recrea una ciudad en niebla y atmósfera deprimente. Lo peor es que el guión flojea mucho, y salvo personajes como el de Cusack, el resto son más bien vacíos y de poco interés, cayendo en muchos tópicos. Y Allen, queriendo recrear la manera de actuar de los actores del Expresionismo, confunde el homenaje con el puro histrionismo, que hace que algunos actores den risa, pero por lo exagerados que están, no por que hagan gracia. O que como él hace muchas veces, concentre demasiado las frases más divertidas en su propio personaje y deje huérfanas de ellas al resto, que se apoyan más  en el drama. Pero la profesionalidad de Allen como cineasta salva el producto, algo que siempre consigue en cualquier película suya, incluidas las menos logradas, como ésta.

SOMBRAS Y NIEBLA: * * *

"OMBRES I BOIRA" de Woody Allen

Woody Allen va tancar la dècada de 1980 amb una irregular pel.lícula , on intentava tornar als seus orígens, a la comèdia absurda, allunyant-se una mica de les seves obres mestres influenciades pel seu admirat Ingmar Bergman. Aquí roda en blanc i negre, tot volent homenatjar l' Expressionisme alemany de fa gairebé un segle. Un assassí en sèrie terroritza una indeterminada ciutat europea. Colles de ciutadans s'uneixen per patrullar els carrers i capturar-lo. El apocat i mediocre ciutadà Kleinman (Woody Allen) és obligat a participar-hi, malgrat les seves negatives. D'altra banda, a un circ que actua a la ciutat , Irmy ( Mia Farrow ) sorprèn el seu marit, el pallasso del circ (John Malkovich), amb una altra dona, així que s'escapa del circ i casualment acaba dins un prostíbul, on es troba amb el romàntic estudiant Jack (John Cusack , "El balneari de Battle Creek ")... L'embolic està servit, com diu el tòpic. El millor de la pel.lícula és la seva fotografia, de Carlo Di Palma, col.laborador d'Allen durant la dècada de 1980, que recrea una ciutat en boira i atmosfera depriment. El pitjor és que el guió fluixeja de valent, i excepte personatges com el de Cusack, la resta són més aviat buits i de poc interès, caient en molts tòpics. I Allen, volent recrear la manera d'actuar dels actors de l'Expressionisme, confon l'homenatge amb el pur histrionisme, que fa que alguns actors facin riure, però per l’exagerats que són, no pas perquè facin gràcia . O que com ell fa molt sovint, concentri massa les frases més divertides en el seu propi personatge i deixi orfes d'elles a la resta, que es recolzen més en el drama. Però la professionalitat d'Allen com a cineasta salva el producte, cosa que sempre aconsegueix en qualsevol pel.lícula seva , fins i tot les menys assolides, com aquesta.

OMBRES I BOIRA : * * *

http://www.imdb.com/title/tt0105378/?ref_=fn_al_tt_1

http://www.youtube.com/watch?v=cfxRoDMiuq8

http://www.youtube.com/watch?v=6621RyCDp8k&list=PLF60B2E739D674491

http://www.youtube.com/watch?v=I-paF5EApo0

AMOR de Michael Haneke

La última muestra por parte de Michael Haneke de la mezquindad humana, o la debilidad de la misma, es esta descarnada visión del amor en la vejez, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, del Globo de Oro y Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, en la que nuevamente el director nos pone en cara un caso extremo de lo que podría ser este tema, apoyándose casi exclusivamente en dos grandes actores franceses muy veteranos, Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, que encarnan a dos músicos en su vejez, Georges y Anne, que un día sufren el percance de que ella ha tenido un ataque que la ha dejado hemipléjica (paralítica de un lado del cuerpo, el izquierdo), y él la tiene que cuidar. Pasan los días y ella va empeorando. Como siempre, Haneke lo cuenta todo con su estilo lento, pausado y sin música en la banda sonora, salvo la que se escuche cuando ella toca el piano, o asisten a algún concierto, o él escuche música en el CD. Un distanciamiento que le salió redondo en su anterior película, quizá su obra maestra, “La cinta blanca”, ganadora también de la Palma de Oro en Cannes. Pero que aquí juega en su contra, ya que Trintignant y Riva no pueden llevar ellos solos la acción todo el tiempo, pese a su inmenso talento, y aunque Haneke agilice la trama con escenas donde al matrimonio lo visita su hija Eva (Isabelle Huppert, habitual en el cine del austríaco) y algunos personajes más, a veces se te hace la película demasiado larga y lenta. También desconcierta el final, que no sabemos si es realidad o una pesadilla del marido, recordando lo que vemos nada más empezar el filme. Pero queda una historia que muestra la vejez tal cual es.

AMOR: * * * *

"AMOR" de Michael Haneke

L'última mostra per part de Michael Haneke de la mesquinesa humana, o la feblesa de la mateixa, és aquesta descarnada visió de l'amor en la vellesa, guanyadora de la Palma d'Or a Canes, del Globus d'Or i l'Òscar a la Millor Pel.lícula de Parla No Anglesa, en la qual novament el director ens llença a la cara un cas extrem d’allò que podria ser aquest tema, recolzant-se gairebé exclusivament en dos grans actors francesos molt veterans, Jean-Louis Trintignant i Emmanuelle Riva, que fan de dos músics en la seva vellesa, en Georges i l’Anne, que un dia pateixen l’ensurt de que ella ha tingut un atac que l'ha deixat hemiplègica (paralítica d'un costat del cos, l'esquerre), i ell ha de tenir cura d’ella. Passen els dies i ella va empitjorant. Com sempre, Haneke ho explica tot amb el seu estil lent, pausat i sense música a la banda sonora, llevat de la que s'escolti quan ella toca el piano, o hi assisteixen a algun concert, o ell senti música al CD. Un distanciament que li va sortir rodó en la seva anterior pel.lícula, potser la seva obra mestra, "La cinta blanca", guanyadora també de la Palma d'Or a Canes. Però que aquí juga en contra seu, ja que Trintignant i Riva no poden portar tots sols l'acció tot el temps, malgrat el seu immens talent, i encara que Haneke doni una mica d’agilitat a la trama amb escenes on al matrimoni és visitat per la seva filla Eva (Isabelle Huppert, habitual al cinema de l'austríac) i alguns personatges més, de vegades se't fa la pel.lícula massa llarga i lenta. També desconcerta al final, que no sabem si és realitat o un malson del marit, recordant el que veiem només començar el film. Però queda una història que mostra la vellesa tal com és.

AMOR: * * * *

http://www.imdb.com/title/tt1602620/?ref_=fn_al_tt_1

http://www.youtube.com/watch?v=sd9KasN4ow4

http://www.youtube.com/watch?v=Ww9oG2ofatU

KRÀMPACK de Cesc Gay

El catalán Cesc Gay tiene una filmografía irregular, con algunos títulos interesantes (el más logrado, “En la ciudad”), y en ocasiones tratando temas transgresores. Aquí se basa libremente en una obra teatral del actor y autor Jordi Sánchez (co-protagonista de la excelente telecomedia catalana “Platos sucios” y al que ahora vemos en la mediocre “La que se avecina”, a años luz por debajo de la primera), y muestra a dos chicos que empiezan la adolescencia, acudiendo uno de ellos a un pueblo costero catalán indeterminado, al chalet que la familia del otro tiene. Tendrán una extraña relación de amistad en donde se mezclará una forma libertina pero a la vez mezclada con esa ingenuidad de la juventud, o mejor dicho, de la pubertad cuando un joven empieza a despertar a la vida, al amor y a todo aquello que no era capaz de observar cuando era un niño. Fernando Ramallo (“El corazón del guerrero”) y Jordi Vilches (“Platillos volantes”) son los dos protagonistas, y a su alrededor pululan adultos como Julián (Chisco Amado), la suiza Myriam Mezières o las chicas a las que ellos conocen (Marieta Orozco y Esther Nubiola)... El acierto del filme es el tono cotidiano y creíble, y su fallo garrafal es su distanciamiento excesivo, aparte de que muchas veces ese tono cotidiano se centra en anécdotas sin apenas interés, o como es habitual en Cesc Gay, se interesa más por detalles sórdidos o efectistas, como la idea de llamar con ese curioso nombre, “Krampack”, a una forma de masturbación, o cuando uno de los chicos duerme a una chica para hacerla el amor o insinuaciones de homosexualidad entre los dos. Cine que hay que ver sin prejuicios, algo que el cine catalán y el francés, por ejemplo, saben mostrar muy bien, aunque el catalán sea más directo y menos sofisticado que el cine de sus vecinos del Norte.

KRÁMPACK: * * *

"KRÀMPACK" de Cesc Gay

El català Cesc Gay té una filmografia irregular, amb alguns títols interessants (el més reeixit, "A la ciutat"), i sovint tractant de temes transgressors. Aquí es basa lliurement en una obra teatral de l'actor i autor Jordi Sánchez (coprotagonista de l'excel.lent telecomèdia catalana "Plats bruts" i al qual ara veiem en la mediocre "La que se avecina", a anys llum per sota de la primera), i mostra a dos nois que comencen l'adolescència, anant-se un cap a un poble costaner català indeterminat, al xalet que la família de l'altre hi té, allà. Tindran una estranya relació d'amistat on es barrejarà una forma de veure la vida llibertina, però alhora barrejada amb aquesta ingenuïtat de la joventut, o millor dit, de la pubertat quan un jove comença a despertar a la vida, a l'amor i a tot allò que no era capaç d'observar quan era un nen. Fernando Ramallo ("El corazón del guerrero ") i Jordi Vilches (“Platillos volantes”) són els dos protagonistes, i al seu voltant pul.lulen adults com en Julián (Chisco Amado), la suïssa Myriam Mezières, o les noies que coneixen ells (Marieta Orozco i Esther Nubiola)... L'encert del film és el to quotidià i creïble, i el seu error garrafal és el seu distanciament excessiu, a part de que moltes vegades aquest to quotidià es centra en anècdotes gairebé sense interès, o com és habitual en Cesc Gay, s'interessa més per detalls sòrdids o efectistes, com la idea de dir amb aquest curiós nom, "Kràmpack", a una forma de masturbació, o quan un dels nois dorm a una noia per fer-la l'amor o insinuacions d'homosexualitat entre tots dos. Cinema que cal veure sense prejudicis, cosa que el cinema català i el francès, per exemple, saben mostrar molt bé, encara que el català sigui més directe i menys sofisticat que el cinema dels seus veïns del Nord.

KRÀMPACK: * * *

http://www.imdb.com/title/tt0250478/?ref_=sr_1

http://www.youtube.com/watch?v=8gJxXXjBKJE

http://www.youtube.com/watch?v=FPQ4fwiz0Ik

http://www.youtube.com/watch?v=8qiuK1YoWWU

MENÚ DEGUSTACIÓ de Roger Gual

Al haber trabajado yo mismo en un restaurante como limpiador durante 12 años, conozco algunos detalles de cómo funciona un sitio así, aunque no un restaurante de diseño con prestigio internacional, como el que nos muestra la película, sin duda inspirado en el mítico El Bulli de Ferran Adrià, que como el auténtico, va a cerrar y va a ofrecer una cena especial como despedida. Lo regentan la cocinera Mar (Vicenta Ndongo, “En la ciudad”) y el maître Max (Andrew Tarbet, “Infidels”), que son pareja. Una galería variada de invitados de medio mundo, incluyendo al actor irlandés Stephen Frea (“Juego de patriotas”), el japonés Togo Igawa (“El erizo”) o la veterana Fionulla Flanagan (“Los otros”), acudirá al acontecimiento. Rodado todo con mucha naturalidad y hablado en varias lenguas (catalán, inglés, japonés y español), huyendo del retrato de restaurantes a lo Hollywood, y sacando la máxima naturalidad de los actores, incluso de los extranjeros, más formados en el teatro de Shakespeare. Una película sencilla, que sabe lo que cuenta y que toca un tema casi inédito en nuestro país, la comedia ambientada en restaurantes, que en el cine extranjero han dado películas notables como la italiana “La cena” de Ettore Scola o la alemana “Deliciosa Martha”, que tuvo un remake americano innecesario. La lástima es que no sea de las que arrasan en la taquilla, pero el tiempo le dará más valor. Se ha hecho en co-producción con varios países, y la sucursal española de Zentropa (la productora de Lars Von Trier) ha participado mucho.

MENÚ DEGUSTACIÓ: * * *

"MENÚ DEGUSTACIÓ" de Roger Gual

En haver treballat jo mateix dins un restaurant com a netejador durant 12 anys, conec alguns detalls de com funciona un lloc així, encara que no pas un restaurant de disseny amb prestigi internacional, com el que ens mostra la pel.lícula, sens dubte inspirat en el mític El Bulli de Ferran Adrià, que com l'autèntic, va a tancar en poc de temps i va a oferir un sopar especial com a comiat. El regenten la cuinera Mar (Vicenta Ndongo, "A la ciutat") i el maître Max (Andrew Tarbet, "Infidels"), que són parella. Una galeria variada de convidats de mig món, incloent l'actor irlandès Stephen Frea ("Joc de patriotes"), el japonès Togo Igawa ("L'eriçó") o la veterana Fionulla Flanagan ("Els altres"), hi vindrà a l'esdeveniment. Rodat tot amb molta naturalitat i parlat en diverses llengües (català, anglès, japonès i espanyol), fugint del retrat de restaurants a l’estil Hollywood, i traient la màxima naturalitat dels actors, fins i tot dels estrangers, més formats en el teatre de Shakespeare. Una pel.lícula senzilla, que sap el que explica i que toca un tema gairebé inèdit al nostre país, la comèdia ambientada als restaurants, que al cinema estranger han donat de pel.lícules notables com la italiana "El sopar" d'Ettore Scola o l'alemanya “Deliciosa Martha”, que va tenir un remake americà del tot innecessari. La llàstima és que no sigui de les que arrasen a la taquilla, però el temps li donarà molt més valor. S’ha fet en co-producció amb diversos països, i la sucursal espanyola de Zentropa (la de Lars Von Trier) ha participat de valent.

MENÚ DEGUSTACIÓ: * * *

http://www.imdb.com/title/tt1826753/?ref_=sr_1

http://www.youtube.com/watch?v=F8jwjQBeSJQ

http://www.youtube.com/watch?v=SAxTCSq343k